INDICE CD'S REVIEWS (Desde Agosto 2007)

Pinchando en el título del disco entráis directametne en la crítica. Las críticas están ordenadas cronológicamente según su publiciación en Alianza.

HOUSE OF LORDS “Come to my Kingdom”
BROTHER FIRETRIBE” Heart Full Of Fire”
WEDNESDAY 13 “Skeletons”
AUGER BANE “On Wings Of Fallen Rock”
HEADHUNTER “Parasite Of Society”
KING’S X “XV”
WHITESNAKE “Good To Be Bad”
KAMELOT “Ghost Opera – The Second Coming”
CIRCLE II CIRCLE “Delusions Of Grandeur”
ASIA “Phoenix”
DEZPERADOZ “An Eye For An Eye”
SKEW SISKIN “Peace Breaker”
THE TANGENT “Not As Good As The Book”
ASFALTO “Utopía”
TAKO “13”
OFFTOPIC “Sin Miedo”
WALDHEIM “Fight Against Time”
JON OLIVA’S PAIN “Global Warning”
DOMINICI “O3 A Trilogy – Part 3”
RPWL “The RPWL Experience”
SPHINX “Renacer”
MINISTRY AND CO-CONSPIRATORS “Cover Up”
5 DUROS “Con Las Botas Puestas”
NEVERLAND “Reversing Time”
MADE OF HATE “Bullet In Your Head”
JERO RAMIRO “Tenebrarium”
DRAGONSLAYER “Cronos”
MAGNUM “Wings Of Heaven Live”
STEVE LUKATHER “Ever Changing Times”
ANDRE MATOS “Time To Be Free”
WORK OF ART “Artwork”
KHYMERA “The Greatest Wonder”
PARADOX “Electrify”
PRESIDENT EVIL “Hell In A Box”
STONERIDER “Three Legs Of Trouble”
ACTION “Action”
INDIGO DYING “Indigo Dying”
SAINT DEAMON “In Shadows Lost From The Brave”
LEVERAGE “Blind Fire”
BARÓN ROJO “Desde Barón A Bilbao”
SEVEN TEARS “In Every Frozen Tear”
LANA LANE “Red Planet Boulevard”
AVALANCH “Muerte Y Vida”
HARDCORE SUPERSTAR “Dreaming In A Casket”
THE ORDER “Metal Casino”
NOCTURNAL RITES “The 8th Sin”
GARY HUGHES “Veritas”
KRAGENS “Infight”
BLOODLIGHTS “Bloodlights”
AXXIS “Doom Of Destiny”
BLOODBOUND “Book Of The Dead”
CRYSTAL BALL “Secrets”
ECO “Réplica”
ASTRAL DOORS “New Revolution”
GAMMA RAY. “Land Of The Free II”
HARD SPIRIT “Walk The Wild”
ANGELUS APATRIDA “Give ‘Em War”
THE CODEX “The Codex”
TED POLEY “Smile”
SARATOGA “VII”
PAGAN’S MIND “God’s Equation”
RICHIE KOTZEN “The Return Of The Mother Head´s Fam...
JADED HEART “Sinister Mind”
SAGA “10.000 Days”
SIEGES EVEN “Paramount”
RIVERSIDE “Rapid Eye Movement”
MELIAH RAGE “The Deep And Dreamless Sleep”
LIZZY BORDEN “Appointment With Death”
ROCK S’COOL “A Spanking Good Song Collection!”
MONSTER MAGNET “4-Way Diablo”
HELLOWEEN “Glambing With The Devil”
VANISHING POINT “The Fourth Season”
JORN “Live In America”
RIDE THE SKY "New Protection"
KILL THE ROMANCE "Take Another Life"
THE FLOWER KINGS “The Sum Of No Evil”
POVERTY’S NO CRIME “Save My Soul”
DEADSOUL TRIBE “A Lullaby For The Devil”
DREAMSCAPE “5th Season”
AXEL RUDI PELL "Diamonds Unlocked"
HEAVEN & HELL “Live Radio City Music Hall”
PRIMAL FEAR “New Religion”
EDEN’S CURSE “Eden’s Curse”
TANKARD “Best Case Scenario: 25 Years In Beers”
MEKONG DELTA “Lurking Fear”
HANOI ROCKS “Street Poetry”
ROBIN BECK “Living On a Dream”
LOS ANGELES “Los Angeles”
THE MIRAGE “Viviendo Rock n´Roll”
LILLIAN AXE “Water’s Rising”
ZARPA “El Yunque Contra el Martillo”
IRON SAVIOR “Megatropolis”
DAVID READMAN “David Readman”
CIRCUS MAXIMUS “Isolate”
GREAT WHITE “Back To The Rhythm”
EL RUIDO MALDITO “El Ruido Maldito”

HOUSE OF LORDS “Come to my Kingdom”

(Frontiers / Mastertrax)

Todos somos seguidores de un grupo tan bueno y tan admirado como House Of Lords, con un currículo musical tan brillante con joyas como su primer trabajo, “Demons Down” o “Sahara”, por ejemplo. Es cierto que la formación liderada por el vocalista James Christian nos ha dejado momentos inolvidables. Pero, si te dijera que su nuevo disco “Come To My Kingdom” es tan bueno e incluso mejor que alguno de estos discazos, ¿me creerías?. Los americanos viven un momento dulce, una especie de segunda juventud. James Christian a la voz ha encontrado su álter ego con Jimi Bell a las guitarras y a la composición de los temas. De esta unión ha nacido un disco con rotundo como “Come To My Kingdom”, que supera e incluso mejora su anterior entrega, el reputado “World Upside Down”. El disco es brillante en todo. Desde su magnífica y heráldica portada (una seña distintiva en House of Lords), pasando por un sonido y unos arreglos soberbios. Las canciones son magníficas, llenas de melodía con finas e intensas guitarras. El trabajo de la base rítmica no desmerece, con BJ Zampa a la batería y Jeff Kent a los teclados y bajo. Desde la poderosa intro sabes ya que estás ante un disco enorme. Con la canción que da título, “Come To My Kingdom”, descubres que es un tema típico de House Of Lords, con un fantástico riff de guitarra a cargo de Jim Bell y la personalísima voz de James Christian. “I Need To Fly” es un increíble medio tiempo, mientras que la melodía está más presente en “The Dream” o “Another Day from Heaven”. Seguimos con “One Foot In The Dark”, una canción más rockera, muy pegadiza y radiable, que te captura a la primera escucha. El siguiente corte, “Your Every Move”, va por la misma línea, con poderosas guitarras y estupendos coros. Destacar finalmente otras dos canciones: “I Believe”, melódica y corística e “In The Light”, con un ritmo más directo pero tan estupenda como las anteriores. No te exagero si te digo que “Come To My Kingdom” es tan bueno como los primeros y añorados trabajos de House Of Lords. Y estoy seguro que James Chrstian y sus chicos lo saben. Por eso el título del disco. Brillante.

Jesús “Nono” García

BROTHER FIRETRIBE” Heart Full Of Fire”

(Spinefarm)

Impresionante demostración de calidad y versatilidad de los finlandeses Brother Firetribe. Si con su álbum début, “False Metal”, dieron en el clavo y engancharon y seducieron a un montón de seguidores, con su segunda entrega, con “Heart Full Of Fire” se consagran como formación de lujo y referente en el panorama del hard rock melódico. Sin duda, un trabajo llamado a ser todo un clásico pese a su novedad. Lo tiene todo: calidad a montones, un cantante soberbio como es Pekka Ansio (voz también de Leverage), que igual nos recuerda a Tobias Sammet, a Jorn Lande o al mismísimo Meat Loaf entre otros; finas melodías cargadas de emoción, coros y estribillos tan pegadizos como brillantes, buenos riffs de guitarra a cargo de Emppu Vuorinen (Nightwish), etc. En definitiva, un disco soberbio. En principio, este “Heart Full Of Fire" es más melódico que su ópera prima. Es como si hubieran podido mezclar a la perfección la esencia del hard rock y del Scandi AOR con su gusto y sus influencias de grandes formaciones americanas (Giant, House of Lords, Journey, etc.) La canción que abre fuego, la directa “Who Will You Run To Now”, es toda una declaración de intenciones, con demostración vocal a cargo de Pekka Ansio y grandes coros que la arropan. La intensa y envolvente “Game They Call Love” seduce, para desembocar en la homónima “Heart Full Of Fire”, con un poderoso duelo vocal a modo de dueto entre Pekka y Anette Olzon, la nueva vocalista de Nightwish. La intensidad y la calidad no decaen con la poderosa “Out Of My Head” o con la envolvente “I Am Rock”, pero el climax llega con “Wildest Dreams”, un tema tan hard como melódico que te atrapa. La balada “Play It From The Heart” tiene tan buenos teclados como grandes coros. Finalmente, la versión “Chasing The Angels” (original de Mike Reno, la voz de los canadienses Loverboy) termina por confirmar que escuchas un discazo con mayúsculas. Será difícil superar a lo largo del 2008 un lanzamiento tan estupendo. Lo tiene todo, y todo muy, muy bueno.

Jesús “Nono” García

WEDNESDAY 13 “Skeletons”

(Demolition Records / Avispa)

Curiosa mezcla de sonidos la que nos propone el vocalista y guitarrista de Murderdolls con esta nueva entrega de su proyecto en solitario. Siguiendo con la temática de terror que siempre le ha acompañado en su carrera, Wednesday 13, combina sonidos industriales y saturados con ritmos más puramente hard rockeros, destacando la aportación a la guitarra de su compañero en Murderdolls Acey Slade, dando vidilla a la compacta y potente base formada por el bajista Nate Manor y el batería Racci Shay. Hay temas realmente enérgicos y saturados, caso de “Scream Baby Scream” con sus aires industriales y sus buenos cortes de ritmo de batería con la voz de Wednesday aterradora a lo Marilyn Manson, o “Put Your Death Mask On” más oscura y machacona. Un rollo más macarra y hard rockero destilan “From Here To The Hearase” o la destacable “Not Another Teenage Anthem” de guitarras más limpias y estribillo pegadizo recordando a unos Hardcore Superstar cabreados. Siguiendo esta línea pero con un punto más sencillo y garagero encontramos la irónica “With Friends Like These…” de guitarras rasconas y directo estribillo, al igual que “Gimme Gimme Bloodshed” más acelerada a lo Metallica del “Garage Inc.", tan sencilla como efectiva, al igual que la rabiosa “No Rabbit In The Hat”. La onda más industrial y oscura domina en “Skeletons”, más teatral recordando a Lordi o Alice Cooper en su faceta más tétrica y terrorífica, en “All American Massacre” donde se embarullan riffs pesados y voces rasgadas, o en la triste y sosa “Dead Carolina” que cierra con su ritmo lento y cansino. Entre medias queda “My Demise”, donde mezclan guitarras acústicas y eléctricas agresivas con voces melancólicas en un corte atormentado y sin demasiada gracia. Un disco en general bastante enérgico, con buenas intenciones, pero por momentos algo espeso y embarullado, y que creo gustará a los seguidores de bandas del Terror Metal más rockero.

Mariano Palomo

AUGER BANE “On Wings Of Fallen Rock”

(Negative Earth / Avispa)

Nueva banda el Reino Unido que aparece en escena para ofrecernos su rock sencillo, con toques stoner y setenteros, pero matices actuales. Auger Bane surgieron del sur de Londres hace tres años y fue a finales del pasado 2007 y tras varios cambios en su formación cuando se decidieron a dar forma este primer trabajo titulado “On Wings Of Fallen Rock”. El disco contiene retazos interesantes, caso de “Wolf Of The River” que adornan con las guitarras más hard rockeras a lo Thin Lizzy de Darren Beasley dotando de un ritmo más alegre a la composición, como sucede en “Black Wine” que se acelera y endurece un poco a lo Almighty pero manteniendo una buena melodía y llegada, y con pinta de single. Tampoco quedan lejos de esta onda “Thuggernaut” con su ritmo alegre, de guitarras rasconas y saturadas acompañando a la agresiva voz de Daniel Shepard, mientras la más puramente rockanrolera “Bad Eyes & Burdens” tiene reminiscencias sementeras de los primeros AC/DC en sus riffs aunque la alargan en exceso, y la inicial “Dragonfly” entra en terrenos más garageros con unas guitarras más sucias. También rockanrolera pero mucho menos intensa resulta “Skynful” con una machacona y simple combinación de caja y guitarra que acaba haciéndose cansina, como lo son la más oscuras “The Long Walk” con su ambiente triste y acústico, a pesar de su buen solo, “House Of The Scorpion” muy densa con la guitarra estridente a lo Zakk Wilde, o “Furious Woman” en la que tiran de onda stoner Sabbath resultando bastante pesada. El tema título que cierra el disco con sus más de ocho minutos de duración resume lo que me ha parecido todo el trabajo, alguna cosa interesante, pero que en general se me hace demasiado largo y monótono. Para fans de los sonidos más pesados, que no más duros.

Mariano Palomo

HEADHUNTER “Parasite Of Society”

(AFM / Avispa)

La banda paralela del líder de Destruction, Schmier, vuelve con nuevo disco bajo el brazo aprovechando el tirón de las reediciones de sus tres anteriores obras de la primera mitad de los 90’s. El bajista y vocalista alemán, vuelve junto a sus compatriotas y compañeros de andanzas orginales, Schmuddel a la guitarra y el experimentado y pluriempleado Jörg Michael a la batería. El disco ofrece lo que podíamos esperar de una banda como Headhunter, heavy metal potente, veloz, rozando el speed y thrash, con buena aportación instrumental y sin demasiadas florituras. Cortes acelerados e impactantes como “Parasiste Of Society” que, tras la curiosa y breve “3rd Man Introduction”, da título y abre el trabajo con voces rasgadas y pesadas guitarras, o la más dinámica afilada “Silverskull” en la que el sonido heavy metal old school centroeuropeo está más que patente, al igual que en la más agresiva y algo embarullada “Doomsday For The Prayer” en la que destaca un buen solo de guitarra a cargo de Schmuddel. Se acercan más al thrash con “Egomaniac”, de base machacona aunque con toque técnico en sus cambios de ritmo a lo Mekong Delta que la hace destacable, como a la más pausada e intimista de aires épicos en sus coros “Backs To The Wall”. Unos aires que también aparecen en la más oscura y repetitiva “The Calling” cuyas guitarras me recuerdan a los americanos Metal Church, mientras que los sonidos más clásicos a lo Judas / Motorhead se apoderan de “Read My Lips” aunque sin acabar de redondear la faena. La parte más pesada y oscura la ponen “Remission” con su atmósfera tétrica y “Payback Time” que es la más floja del disco por su falta de ritmo. Como curiosidad incluyen dos versiones, bastante fieles y dignas las dos, una previsible aunque poco habitual como es “Rapid Fire” que abría el glorioso “British Steel” de Judas Priest con la voz de Schmier lógicamente más oscura que la de Halford, y la otra bastante sorprendente del “18 And Life” de Skid Row, un poco más lenta que la original, con la voz bastante agresiva pero con el solo de guitarra más flojo. Un buen par de guindas para un jugoso pastel que, sin ser la quintaesencia del metal, sí supone digno y competente trabajo de regreso.

Mariano Palomo

KING’S X “XV”

(Inside Out / Mastertrax)

Veinte años han pasado ya desde que este trío tejano publicara su primer trabajo, “Out Of The Silent Planet”, convirtiéndose en este tiempo en una de las bandas de culto más reconocidas dentro del rock ecléctico, difícilmente etiquetable y que, para que nos entendamos, han hecho siempre lo que les ha dado la gana en cada momento. Eso sí, con bastante calidad instrumental y buen gusto, con sus lógicos altibajos, y tirando de la esencia del rock más crudo, pasando por el blues, el funky e incluso sonidos industriales más potentes que algunos han asociado con el progresivo. Y todo esto se refleja en el decimoquinto álbum, recogiendo esos ingredientes y volcándolos en un puñado de temas con desigual fortuna en su resultado final. Los hay realmente interesantes e intensos, llenos de rotundidad y energía rockera, como es el caso de “Pray” que se encarga de abrir el disco con cierto toque funky-industrial por su poderosa base, con el bajo muy presente del también cantante negro, Doug Pinnick, al igual que en la alegre, directa y cañera “Alright” acertadamente escogida como single y donde los sonidos más grajeros cercanos a los Ramones se hacen presentes. Igualmente interesante son “Go Tell Somebody” con pegadizos coros de esencia funky con aires gospel y una combinación notable de la percusión de Jerry Gaskill y las buenas guitarras de Ty Tabor dando brillo al tema, o la también enérgica “Move”, que a pesar de su inicio relajado va creciendo con buenos y rockeros riffs derivando en uno ritmos cercanos a Living Colour o Red Hot Chilli Pepers. No está tampoco mal “I Don’t Know”, un poco más melódica con voces más cercanas al pop indie y con guitarras más relajadas, y ya menos atractivas me resultan “Rocket Ship”, cañera, con riffs pesados y con unas voces dobladas demasiado opacas, como más o menos le sucede a la más original “Broke” aunque esta con unas guitarras más cuidadas y unos coros más limpios, despareciendo ambos elementos en su sucesora de tintes algo grunge “I Just Want To Live” que pone un toque más nublado y pesimista. Ese toque sigue pesado y oscuro presente en “Stuck” sobre todo en las guitarras, arreglándose un poco por las voces, que recuerdan algo al único grupo decente del estilo como fueron y siguen siendo Pearl Jam. Bajan bastante el nivel con las deprimentes y melancólicas “Blue” y “Repeating Myself”, perfectamente obviables, al igual que el primer bonus track “Love And Rockets (Hell’s Screaming)” demasiado oscura a pesar de su buen solo de guitarra. El otro bonus, “No Lie” que cierra el CD es una cachondada a ritmo de blues pesado que evoca cualquier noche de borrachera de la banda en la que de nuevo la guitarra destaca con un sonido hueco a lo Brian May que contrasta con la atmósfera de garito lleno de humo de traslada, aunque acaba siendo algo rallante. Cierre curioso, para un curioso e irregular trabajo, que no hace más que reflejar la identidad de este siempre original combo.

Mariano Palomo

WHITESNAKE “Good To Be Bad”

(SPV / Mastertrax)

Una vez más Mr. Coverdale ha sido capaz de recomponer la figura y ha conseguido juntar una buena formación y escribir un puñado de buenas composiciones para regresar con un más que competente nuevo trabajo en estudio. Desde 1997 con aquel “Restless Heart” y con el aperitivo que supusieron los magníficos cuatro temas nuevos que acompañaban al reciente directo “Live In The Shadow Of The Blues” hace un par de años (por cierto, no aparece ninguno en este nuevo trabajo), estábamos huérfanos de un redondo completo de una de las bandas más grandes, influyentes y elegantes del hard rock mundial. La espera se ha ido paliando durante todos estos años a base de apariciones más o menos afortunadas con recopilatorios, directos, discos en solitario, colaboraciones, pero es ahora cuando vuelve el auténtico sonido Whitesnake, con nuevos temas aunque con reminiscencias muy claras a temas clásicos del grupo, quizá demasiadas y demasiado evidentes en algunos riffs y armonías. La voz de Coverdale, tremendamente cálida y potente, con el feeling de siempre y chillando algo menos que otras ocasiones, sin dar muestras de cansancio o desgaste, un auténtico abuelo gentleman que sigue siendo uno de los grandes. El resto de la banda cumple más que bien, sobre todo con las guitarras de Doug Adrich y Reb Beach sonando magníficas notándose ya los seis años que llevan competiendo su labor en la Serpiente Blanca y mostrando un alto grado de acoplamiento y sincronía que se echaba algo en falta en algunas de sus primeras actuaciones en directo. También toma algo más de presencia el teclista Timothy Drury, que en los shows en vivo pasaba prácticamente desapercibido, mientras que los más recientemente incorporados, el bajista Uriah Duffy y sobre todo el polifacético batería Chris Frazier, han conseguido que no echáramos de menos en esta grabación a sus enormes predecesores en sus puestos, Marco Mendoza y Tommy Adridge. Los temas en sí abarcan desde el hard rock más potente rozando el heavy de “Call On Me” de afilados riffs muy a lo “Still Of The Night”, pasando por el aire pesado de “Can You Hear The Wind Blow” de magníficas guitarras y buenas voces, al igual que la inicial “Best Years” con toque a lo “1987”. Por las mismas tesituras se mueve el tema título “Good To Be Bad”, con un inicio similar a “Fool For Your Loving” y resultando muy potente y directa, mientras “A Fool In Love” me resulta algo más pesada, recordando a “Cryin’ In The Rain”. Bastante más alegres y rockeras son el single “All For Love”, con buenos cortes de guitarras, cañera y melódica en su justa medida y con reminiscencias a la época Sykes e incluso a los propios Thin Lizzy, al igual que sucede en menor medida con la más rockanrolera “Got What You Need” con un riff muy AC/DC acompañando la versión más agresiva de la voz de Coverdale y a un magnífico solo de guitarra. El rollo rockero más setentero está presente en “Lay Down Your Love”, con inicio a capella, rompiendo sobre una poderosa base y un ritmo pegadizo y vacilón. Evidentemente los temas más lentos y relajados también tienen su buena cuota de protagonismo, como en cualquier disco de Whitesnake que se precie, y encontramos una profunda acústica como “Till The End Of Time” de sonidos western que recuerda a la etapa de Coverdale con Page y a temas del estilo “Wanted Dead Or Alive” de Bon Jovi. En la misma línea acústica, aunque algo más sosa, insertan “Summer Rain”, bonito medio tiempo, casi balada, tan cálido como falto de chispa, una chispa que por fortuna si aparece en la tremenda balada marca de la casa “All I Want, All I Need” llena de sentimiento, intensidad y pasión, adornada por unas preciosas guitarras. Un temazo que es de lo mejor de este buen disco, que gana puntos a cada escucha y que sin ser el mejor que ha hecho Coverdale si que mantiene el nivel exigible a un nombre como el suyo y al de Whitesnake. Lástima que de momento no vengan a presentarlo por aquí.

Mariano Palomo

KAMELOT “Ghost Opera – The Second Coming”

(SPV / Mastertrax)

Por sorpresa nos ha llegado esta reedición del último trabajo de Kamelot. Resulta cuando menos curioso que se reedite un disco apenas un año después de su publicación, y más viendo como está el panorama en cuanto a la venta de material original últimamente. Pero el quinteto euroamericano, o su compañía, han tirado por la calle de en medio y ahora ponen en la calle este “The Second Coming” de “Ghost Opera” una segunda parte que ofrece como aliciente a los que ya tuvieran la primera edición, la inclusión de un segundo CD que incluye la grabación en directo en Belgrado durante su gira mundial del pasado año de diez temas con bastante buen sonido, y de cuatro temas nuevos en estudio, además de insertar dos video clips en el primer CD del disco original en estudio, uno recogido en la actuación del grupo en la capital serbia y otro del single “The Human Stain”. Sentimos no poder daros nuestra opinión sobre estos vídeo clips, ya que únicamente nos ha llegado el segundo CD, por lo tanto nos centraremos en éste. Los temas pertenecen casi en su totalidad a “The Black Halo” su penúltima obra en estudio y de la que hacían su presentación en la gira que recogieron en este disco y que completan en su inicio con cuatro cortes de “Ghost Opera”. Concretamente la intro “Solitaire”, el tema título que suena muy bien en vivo, al igual que el single “Human Stain”, y la más compleja “Mourning Star”, acompañada de destacadas voces femeninas y en la que brillan todos los componentes del grupo, pero sobre todo el guitrarrista Thomas Youngblood con un enorme solo. A partir de aquí todo se centra en “The Black Halo” con brillantes y directas canciones como “When The Lights Are Down” con buenos contrastes de la acelerada batería de Casey Grillo y los teclados de Oliver Palotai, para que Khan muestre su tremendo torrente vocal. A continuación se relaja con la preciosa balada “Abandoned” y comparte protagonismo con la vocalista de Epica Simone Simons en la magnífica “The Haunting” como ya hiciera en la versión en estudio del tema. Se explayan con “Memento Mori” en sus más de nueve minutos llenos de cambios de ritmo y clase instrumental, para hacer un guiño a otras formaciones con la breve y novedosa “Epilogue” un relajado paréntesis lleno de piano que repiten también en su versión en estudio, para cerrar definitivamente con la poderosa “March Of Mephisto”. En cuanto a los temas nuevos en estudio, amén del citado “Epilogue”, nos encontramos con un remix bastante retocado de “Rule The World” con más efectos y sonidos sampleados que cuesta un poco a la primera y donde se echan de menos las guitarras, y con dos estrenos como “Seasons End” bastante tranquila y elegante aunque algo apagada, y como “Pendulous Fall” algo más animada aunque por la misma línea sin resultar grandes descubrimientos ninguna de ellas. Como curiosidad y para los muy fans de la banda una reedición que puede resultar interesante por descubrir estos nuevos temas y por la buena calidad del directo de Belgrado, aunque teniendo el anterior “On A Cold Winter’s Night” quizá se queda corto.

Mariano Palomo

CIRCLE II CIRCLE “Delusions Of Grandeur”

(AFM / Avispa)

En estos días se pone en circulación el cuarto larga duración del proyecto del ex vocalista de Savatage Zak Stevens, Circle II Circle. Un disco que no se aleja de sus predecesores en cuanto a calidad y contenido musical, es decir, correcto en ambas facetas pero sin deslumbrar en exceso. Algo que podemos aplicar a la voz del propio Zak, cumpliendo con sus tonos oscuros sin exhibir excesivos matices y adaptándola perfectamente a las bases pesadas impuestas por el bajista Paul Michael Stewart y por el batería Robert Thomas Drenan, y a las buenas guitarras (para mí lo más destacado del disco) que insertan Andrew Lee y Evan Christopher. El sonido del disco en general es bastante limpio, aunque con un pesado sustento rítmico que en algunas ocasiones despunta con mayor brillantez, sobre todo por las mencionadas guitarras de Lee y Christopher. Dentro de estos cortes más brillantes podemos mencionar la inicial “Fatal Warning” potente, con trabajados y afilados riffs y con una acelerada base que contrasta con la voz más opaca de Zak, al igual que sucede con “Chase The Lies”, con la más pesada “So Many Reasons” alternada por buenos cambios de ritmo, o con las claras y dinámicas “Waiting” y “Forever” de coreables estribillos que tienen pinta de funcionar bastante bien en directo. Con toques más épicos de enraizada base heavy-power ochentena americana nos encontramos con “Soul Breaker” que me recuerda bastante a Fifth Angel, o con la más pausadas y melancólicas “Dead Of Dawn” y “Seclusion”. La versión más tranquila del grupo viene de la mano del medio tiempo “Echoes” en el que incluyen buenos arreglos de teclados recordando a la banda anterior de Stevens y resultando de lo que más me ha gustado del trabajo, mientras que la final “Every Last Thing” tampoco está mal en esa misa onda, aunque me llega algo menos. Como decía en el inicio, un disco correcto, que gana con las escuchas, y que vuelve a mostrar la honda huella dejada por el legado Savatage.

Mariano Palomo

ASIA “Phoenix”

(Frontiers / Mastertrax)

Han tenido que pasar más de veinte años para que la formación original de una de las bandas más grandes e influyentes del rock sinfónico – melódico vuelvan a grabar y publicar nuevo material en estudio. Los Asia de John Wetton (voz y bajo), Steve Howe (guitarra), Geoff Downes (teclados) y Carl Palmer (batería), cuatro músicos de un enorme nivel y que con tan sólo dos discos a principios de los 80’s revolucionaron el rock sinfónico dotándole de una comercialidad y accesibilidad desconocida hasta entonces para las bandas del estilo. Tras el deslumbrante éxito que les proporcionaron temas como “Heat Of The Moment”, “The Smile Has Left Your Eyes” o “Don’t Cry” demostrando como hacer composiciones comerciales para todo los públicos sin perder nada de calidad y nivel musical, los miembros del grupo empezaron a emprender nuevas aventuras en solitario y junto a otros músicos, siendo siempre sustituidos por otros que han sabido mantener el nombre de Asia a la altura que le corresponde. Pero siempre es una buena noticia una reunión de este tipo, recuperando algo de aquel sabor añejo que muchos disfrutamos en su momento, y creo que la vuelta ha sido bastante digna y que, aunque con matices, han sabido recuperar el sonido de entonces. El matiz más significativo en mi opinión es la escasa presencia de la batería de Carl Palmer, muy en segundo plano durante todo el trabajo y con mucho más protagonismo para las teclas de Geoff Downes que habrá hecho valer sus galones (por algo es el único que ha permanecido en el grupo desde el principio hasta ahora). Steve Howe, y John Wetton están en su sitio, presentes sobre todo este último sin apenas perder nada de clase y calidad en su voz con respecto a sus inicios (a pesar de los graves problemas cardiacos que le han hecho pasar por el quirófano en varias ocasiones), eso sí, siempre bien apoyado por los coros del resto del grupo, una de sus señas de identidad. Otras como la brillantez instrumental, la accesibilidad de los estribillos y la solidez del sonido siguen presentes, aunque resultándome algo ralentizado en general y con algo menos de pomposidad y grandilocuencia. Los temas reflejan todos estos parámetros con cortes totalmente comerciales, claros y directos, como “Never Again” que abre el trabajo con teclas, voces y coros brillantes, la alegre “Shadow Of A Doubt” o “No Way Back” en la misma onda e insertada a modo de medley entre el sinfonismo lleno de guitarras cristalinas de “Sleeping Giant” y su posterior “Reprise”. Rebajando un poco el tono se mueven la más pop rockera “Alibis” que podría cuadrar como banda sonora de cualquier serie televisiva americana de los 80’s, aunque bien adornada con matices más sinfónicos, sobre todo por un gran solo de guitarra de Steve Howe, y la que cierra el disco “An Extraorinary Life”, un canto al optimismo y la positividad de la mano de Wetton una vez superados sus problemas de salud, en clave electro acústica y creciendo en intensidad. El toque más épico lo pone el inicio con fanfarrias de “Nothing’s Forever”, más pausada pero de nuevo con buenas guitarras en su interior, al igual que en el medio tiempo “Over And Over” que adornan con unas curiosas mandolinas. Nos encontramos con otra trilogía llena de sinfonismo en la que “Paralel Worlds / Vortex / Deya” forman una composición más uniforme con mezcla de sonidos acústicos, pianos, cálidas voces y melancólicas guitarras en su tramo final, llegando a cotas más progresivas en “Wish I Don’t Know All Along” algo más intimista y recordando a la época más reciente del grupo con John Payne. Por supuesto también hay buenas baladas, destacando “Heroine”, que me recuerda a la magnífica “The Smile Has Left Your Eyes”, llena de emotividad y calidez; no están mal tampoco “I Will Remember You” y “Orchard Of Mines” que aunque algo menos intensas mantienen buen nivel instrumental, sobre todo de guitarras. Se redondea así un buen disco que nos devuelve a los Asia más clásicos y que estamos deseando disfrutar en directo. Ya queda menos.

Mariano Palomo

DEZPERADOZ “An Eye For An Eye”

(AFM / Avispa)

Alex Kraft y su banda de pistoleros vuelven a escena desde Alemania para transportarnos con su western-metal al salvaje oeste de finales del siglo XIX y contarnos la oscura historia de un conflictivo joven que responde al nombre de Hank. En este caso y respecto a su anterior trabajo de hace un par de años, “The Legend And The Truth”, han endurecido un poco más su sonido de base, aunque manteniendo intacta esa original mezcla de banda sonora de spaghetti western y heavy metal potente y, ¿por qué no?, en ocasiones divertido. Un sonido que una vez más está pulido desde los botones y las regletas por el propio Kraft que además de cantar, tocar la guitarra y componer, se ha hecho cargo de la producción junto Thomas Lichtenwalter y al mago Dennis Ward que en esta ocasión sólo participa en este apartado. Los otros dos elementos que completan la formación son el bajista Alex Wigand y el batería Markus Kullman consolidando una rocosa y potente base rítmica. En cuanto a los temas los hay directos y afilados, rozando el thrash, como “Hate” que ataca con su punzante y directo estribillo tras el inicio a modo de intro típicamente del oeste de “Eye For An Eye”, mientras que “Wild Bunch” y “Wild Times” me resultan más oscuras y monocordes, y “Here Comes The Pain” más a lo Metallica del álbum negro suena como un cañón contando con la participación de Tom Angelripper bajista y cantante de Sodom. Más cercanas al western la buenísima y directísima “Days Of Thunder” que podría servir perfectamente de fondo musical de cualquier duelo al sol, la más lenta rozando la balada y con aires a The Cult “Give Up”, al igual que “May Heaven Strike Me Down” donde la entonación de Kraft recuerda mucho a la de Ian Atsbury. En cualquier caso hablar de The Cult como influencia o similitud, sin duda nos lleva a pensar en The Doors como un paso anterior, y se refleja en la fiel versión que se marcan de “Riders Of The Storm” uno de los clásicos de la banda de Jim Morrison. El final es algo extraño y desconcertante, con “When The Circus Comes To Town” con un carrusel circense marcando el tiempo dentro de un corte más siniestro en el que parece que en cualquier momento puede aparecer un payaso asesino, seguida por “A Tooth For A Tooth” que parece una segunda parte de la inicial que da título al disco con sus mismas tesituras, y que curiosamente, en lugar de cerrar definitivamente el trabajo da paso a la cachonda “25 Minutes To Go” que parece una especie de bonus track marchoso de saloon del oeste. Original final, para un original y potente trabajo que confirma las buenas sensaciones que ya nos dejaron Dezperadoz con su anterior obra.

Mariano Palomo

SKEW SISKIN “Peace Breaker”

(Mondongo / Avispa)

Desde el corazón de Alemania, Berlín, llega a nuestras manos la séptima entrega de Skew Siskin, “Peace Breaker”, a través de la cual descubrimos a esta potente formación. Encabezados por la aguardentosa voz de Nina C. Alice, bastante cercana a la de Wendy O. Williams y por tanto a la de su mentor Lemmy Kilmister, nos ofrecen un puñado de buenas andanadas de rock & roll agresivo y endurecido al más puro estilo Motörhead, aunque algo plano y machacón en algunas fases. La mano de Lemmy además de en la forma de cantar de Nina, se nota en el sonido y las composiciones del disco, participando directamente en cuatro de ellas. No es el único invitado a la fiesta, también participan el guitarrista Ivan Kral (Iggy Pop, Patti Smith) tocando y componiendo en “I Don’t Care” un tema de cadencia pesada y machacona que no es de los que más me atrae del disco, todo lo contrario que la brillante “Who The Hell Are You” en la que compone y mete su guitarra el ex Accept Wolf Hoffmann. En esta onda directa y rockanrolera se mueven otros buenos cortes como “We’re An Institution”, “Ridin’ With The Devil” otra de las mejores al igual que “Trouble Shooter” o la más heavy “Metal In Your Face” que abre el CD. No se van mucho de onda, la más pesada “War, Fire, Guns & Blood”, la contundente “Shoot The Rats”, o la más punk y acelerada “I Wanna Be Me”. La temática política y contestataria está bastante presente, sobre todo en la histórica “Eva Braun Is Back In Town” en clave también bastante punk y simple en su composición a base de estribillo machacón y riff monocorde. En segundo término quedan cortes menos logrados como la rasgada “Loser” o la saturada casi stoner “Can’t Hear You (Hey Hey You)”. Un disco interesante en su computo general, con sus lógico altibajos, y que nos ha servido para conocer a este interesante grupo, tan básico en sus conceptos como divertido y efectivo en bastantes momentos.

Mariano Palomo

THE TANGENT “Not As Good As The Book”

(InsideOut Music / Mastertrax)

Con poco más de un lustro de existencia el nombre de The Tangent ya se ha convertido en un referente absoluto dentro del rock progresivo internacional. Cuatro discos de estudio, dos en directo y un DVD dan testimonio de la tremenda calidad y creatividad de esta multinacional de tocones encabezada por el británico Andy Tillison, teclista, cantante y escritor que lidera una alineación de lujo que ha ido cambiando sustancialmente desde que empezaran su aventura en 2002. El que más tiempo lleva con Andy es el currante y brillante bajista sueco Jonas Reingold, acompañado por su compañero en The Flower Kings Jaime Salazar que se encarga de la percusión con su poderío y clase habituales, bien acompañados por Guy Manning en el apartado de los instrumentos acústicos y voces, por el protagonismo al saxo y la flauta de Theo Travis, las voces femeninas de Julie King y por las buenas guitarras eléctricas del recién incorporado desde Polonia Jakko Jakszyk. Centrándonos en esta última entrega, cuarta en estudio del grupo, lo primero que hay que decir es que se trata de una obra extensa, extensísima, y que en contra de lo que pudiera parecer por su título y por su presentación en edición especial, da sustento al argumento de una novela corta, no al revés como suele ser habitual. En este caso el disco es antes que el libro, y por lo que hemos podido ver someramente en unos pequeños fragmentos que aparecen en el interior de la portada de la copia promocional, se refiere a la la evolución de la música que ha influenciado a Tillison (autor del texto) y donde aparecen nombres como los de Pink Floyd, Genesis o King Crimson, y que en cierta manera también aparecen reflejados en las composiciones de este doble CD, y adornadas por las ilustraciones de comic del dibujante francés Antoine Ettorie. El primer volumen contiene siete cortes, de larga duración en su mayoría, como no podía ser de otra manera, y en los que van desgranando la historia a base de composiciones trabajadas, rebuscadas, llenas de matices y cambios. Comienzan con la más asequible “A Crisis In Mid Life” con destacada presencia de los teclados de Tillison, que se va enriqueciendo con buenos guitarrazos y percusiones, y que completa un muy buen corte para empezar a abrir boca. Se van adentrando en terrenos más sinfónicos y complejos con “Lost In London Twenty Five Years Later” con Theo Travis en primer plano con sus melodías de flauta tiñendo de elegancia y nostalgia una base pausada que va tornándose mucho más jazz con duelo de piano, guitarras y saxo incluido realmente espectacular. Guitarras de Jakko Jakszyk que siguen sonando magníficas en los más de diez minutos de “The Ethernet” coronada por unos buenos y evocadores coros. Se ponen más experimentales con la instrumental “Celebrity Pureé” la más corta del disco en la que las percusiones de Salazar marcan la pauta con brillantez, para a continuación mostrar un amplio catálogo de arreglos y sonidos en “(The Future Was) Not As Good As The Book”, donde las voces vuelven a escena acompañando los cambios y giros desde un inicio puramente sinfónico con los teclados, pasando por fases más tranquilas con suaves guitarras, incluyendo retazos de guitarras flamencas, palmas y castañuelas un poco a lo “Innuendo” de Queen. Sigue la onda intimista y relajada con “A Sale Of Two Souls”, que se me hace algo monótona a pesar de nuevo de los adornos de flauta de Travis y de que intenta subir algo al final recordando un poco a Jethro Tull, para animarse bastante más con “Bat Out Of Basildon” en onda rockera y algo teatral con las guitarras más afiladas y las voces más oscuras para cerrar el primer CD. El segundo CD contiene únicamente dos cortes, “Four Egos One War” y “The Full Gamut”, ambos larguísimos superando ampliamente los veinte minutos, y donde, como podéis imaginar, exponen su poderío instrumental llenando de cambios de ritmo y distintos ambientes sus desarrollos de forma coherente, aunque al que no esté muy acostumbrado se le puede hacer cuesta arriba, sobre todo el segundo corte más rebuscado y espeso. Un paso más dentro de la exitosa trayectoria de The Tangent (que presentan nada menos que en cuatro ediciones y que si tenéis interés en tener completa junto al libro deberéis haceros con la Edición Especial Novela) y que les confirma como uno de los grandes dentro del sinfónico progresivo del siglo XXI.

Mariano Palomo

ASFALTO “Utopía”

(Imagine Music / Avispa)

Hablar de Asfalto es hablar de uno de los nombres más grandes y respetados por parte de cualquier seguidor del rock nacional que se precie. Germen de buena parte de algo que se generó en los setenta en España y que alguien tuvo a bien en bautizar como rock urbano, una etiqueta con la que nunca he estado demasiado de acuerdo en según que casos y el de Asfalto es uno de ellos. Porque creo que este grupo es más, mucho más que letras reivindicativas y comprometidas, que las tiene y de las mejores que se han hecho por aquí, es una auténtica escuela de músicos por cuyas filas han pasado algunos de los mejores que hemos tenido la suerte de disfrutar dentro del rock de aquí, y porque nos han dejado obras maestras e irrepetibles que aun hoy siguen con plena vigencia. Y ahora, un montón de años después vuelve a escena el nombre de Asfalto de la mano del único miembro del grupo que permanece en su seno desde sus inicios, el veterano guitarrista, cantante y pianista Julio Castejón, que parece querer rejuvenecer laureles junto a otros cuatro buenos músicos menos experimentados que le acompañan en esta nueva aventura. Los chicos que trabajan con Castejón en este en este “Utopía” son: Carlos Parra a los teclados, Raúl Santana a la guitarra, Viti Ilarraza a la batería y Juanvi García al bajo, todos ellos haciendo también muy buenas voces algunas de ellas solistas, y que eran totalmente desconocidos para mi hasta ahora. Seguro que habrá mucha gente que dirá que esto no es Asfalto, que dónde están Laina, Jiménez, Oñate, Cajide o Guny, por citar a algunos, y me consta que Julio se lo ha pensado a la hora de recuperar el nombre del grupo y ha estado a punto de usar otra denominación para el proyecto. Pero después de todo, tiene el derecho tanto moral como legal a hacerlo, y creo que el contenido del disco puede considerarse Asfalto sin ninguna duda, con los elementos que siempre han caracterizado al grupo, y que no defraudará a los seguidores del sonido clásico del mismo. Luego ya está el gusto personal de cada uno, porque a mí por ejemplo me hubiera gustado un giro más rockero en general dentro del disco, me sobran algunos arreglos algo popis, pero por el contrario me gusta mucho el sonido de guitarras en general, los teclados muy trabajados y como siempre las letras de los temas. Se abre el disco con la suite “Utopía” exhibiendo la vena más sinfónica del grupo en sus tres partes “Piedra Sobre Piedra” que va creciendo instrumentalmente para dar paso al “El Simio Erguido” que resulta magnífica y de lo más destacado del trabajo, y que se cierra con “Un Mundo Nuevo” de forma más relajada. A continuación nos encontramos con el tema elegido como primer single, “Gente Como Tú” de bonito y utópico mensaje globalizador (en el mejor sentido de la palabra) hablando de la igualdad y de lo bueno que es viajar y conocer nuevas culturas y que musicalmente se mueve en sonidos acústicos a medio tiempo y con curiosas inserciones de frases en inglés en el estribillo. Las guitarras más potentes recuperan protagonismo en “Transparencias” aunque esta sea menos rockera y con un curioso final a lo Pink Floyd, y en la brillante y dinámica “Lusitania Express” dedicada a Lisboa y a su revolución de los claveles rojos quedándoles redonda y de lo más atractivo del CD. Bajan el pistón en “Quiero Que Sepas Que Lo Se” con la voz principal que no pertenece a Julio y que no reconozco, haciéndolo bien pero algo soso en conjunto, mejorando en la curiosa “El Ultimo Vuelo” de nuevo con sonidos sinfónicos con las telcas como protagonistas para completar una romántica letra dedicada a un aviador y su vuelo postrero y que me cuadraría perfectamente en la etapa “Cronophobia” / “Más Que Una Intención”. La optimista “Nunca Está De Más” está bien y entra fácil por su estribillo, aunque le cuesta arrancar y va perdiendo fuerza, para recuperar la esencia más clásica con el medio tiempo “El Pescador De Sueños” donde destacan las guitarras llenas de sentimiento que lo adornan. En el final vuelve la brillantez sinfónica en el inicio de la extensa “Cambios”, lleno de teclados y guitarras trabajados y enlazados con gusto y que desemboca en un bonito corte con buenas voces y coros, para poner el cierre definitivamente con un reprise orquestal de la inicial “Utopía”. Sinceramente creo que Julio Castejón ha hecho un muy buen trabajo, ha sido bastante fiel a la historia de Asfalto poniendo en circulación una banda totalmente digna y que por lo que se aprecia en este disco puede estar perfectamente a la altura que se le supone.

Mariano Palomo

TAKO “13”

(Juntaversos Records / Warner Music Spain)

Los veteranos aragoneses Tako siguen dando muestra de su productividad musical, en este caso hace ya unos meses con su último trabajo en estudio “13”. Un disco que nos muestra a un grupo que va tiñendo de matices más cercanos al pop-rock su base de rock and roll básico con el que comenzaron a dar guerra hace ya una buena tirada de años. Hecho todo ello con bastante gusto y clase, manteniendo ese espíritu rebelde e inconformista de antaño que se refleja en sus letras, pero perdiendo algo de frescura y garra en ciertas fases del disco, pero que recuperan en sus directos que siguen siendo plenamente rockeros y fiesteros. Al frente del grupo sigue estando con su personal forma de escribir y cantar Mariano Gil, que además ayuda con su guitarra a Iñigo Zubizarreta que se encarga de meter buenos riffs desde sus seis cuerdas, aunque quizá alguno menos de los que me gustaría. La base rítmica sigue siendo bastante sólida, con el pluriempleado y brillante Fernando Mainer al bajo y con el competente José Mena a la batería, mientras que el toque de los teclados de Nacho Jiménez se hace notar en buena medida y ha sido de lo que más me ha sorprendido del disco. En cuanto a los temas los hay más frescos y directos como la inicial “Lágrimas De Sueño” con unas guitarras tan descaradas y gamberras como su letra, “La Pensión De Las Aceras” con unas tesituras más pop pero con un buen y pegadizo ritmo y estribillo, al igual que el de la más cañeras “Seda Negra” totalmente directa y algo macarra, como lo son “Chica Caliente” en onda más cercana a Loquillo y sus Trogloditas, y “La Caricia Del Tormento”. La vena más pop-rock sale a relucir en la tórrida “La Mitad De Mis Espejos”, en la curiosa “Generación XXI” que adornan con un buen aporte de teclados al igual que en “Sólo Esta Noche”, o en la más sosa “Entre Tinieblas” que se acerca a sus paisanos Amaral pero con unas guitarras modernas que le dan un toque distinto. Las partes más relajadas del trabajo vienen con una curiosa revisión en clave blues de su clásico “A Las Puertas Del Deseo” que les queda bastante bien, con la más densa “Trenzas De Arena” y con la bonita “Sol De Medianoche”. El cierre futbolero y algo pachanguero lo pone “Sin Tanto Ruido” típico corte divertido para ser coreado en las gradas, en este caso de La Romareda de su Zaragoza, como en su momento hicieron Los Suaves con el Depor, o Ska-P con el Rayo. En definitiva, trece cortes, para este “Trece” que sin seguir una línea lo uniforme que a algunos nos gustaría, sí sigue mostrando buenas cosas de una de las formaciones más interesantes y currantes del panorama nacional.

Mariano Palomo

OFFTOPIC “Sin Miedo”

(Lausan Records)

Varios colegas de otros medios me habían hablado, y bastante bien, a cerca de este prometedor cuarteto madrileño. Y ahora que por fin he podido escuchar su trabajo en estudio puedo decir que no andaban muy desencaminados con sus elogios. Lo que nos encontramos en este “Sin Miedo” es una decena de intensos cortes de hard – heavy potente, sin excesivas complicaciones, con algún que otro matiz más actual y con un buen nivel tanto instrumental como vocal. Un aspecto este último que, queramos o no, sigue siendo de los que más llama la atención cuando escuchamos una voz femenina al frente de un grupo, como es el caso que nos ocupa en la persona de Rosa Ibáñez. Una voz potente y personal que entra con claridad y fuerza sobre el buen trabajo de la base rítmica formada por el batería Cristián Millán y del nuevo bajista José Luis López, y del brillante guitarrista Toni Sánchez Gil. Con la reciente incorporación de José Luis han aprovechado para regrabar casi íntegramente los temas de este disco que ya estaban hechos hace tiempo y que ahora rescatan con mejor sonido, presentación y calidad. Hay cortes más rotundos y pesados como la inicial “Sin Miedo” o “Quieren Libertad” con unas guitarras bastante oscuras. Algo más melódicos se muestran en “Aléjate De Mi” con Rosa dando cuenta de su buen hacer, mientras las guitarras juegan con más matices, al igual que en la más power “Alma Mortal” en la que las líneas vocales sobresalen sobre unas bases más machaconas. Los aires hard rockeros y vacilones llegan con “Cógeme” y con “Castillo De Arena” tema a destacar con buenos elementos de percusión y guitarra, y de nuevo con Rosa haciéndolo realmente bien rasgando su voz, para a continuación mostrarse mucho más dulce en la bonita balada “Como Un Halcón” compartiendo protagonismo con la acústica de Toni. El final en clave más heavy lo ponen la directa “Otra Vez” de claro estribillo y con sonidos de guitarra y bajo familiares dentro del género, y la instrumental que da nombre a la banda “Offtopic” donde se dedican a experimentar algo más creando una interesante pieza. Buen cierre para un más que correcto debut discográfico, casi tan bueno como me lo habían pintado, de una nueva banda que parece querer a empezar a decir algo dentro del difícil panorama rockero nacional. Suerte para ellos.

Mariano Palomo

WALDHEIM “Fight Against Time”

(Santo Grial Records)

No es el death metal, por muy melódico que sea, un género del que nos ocupemos en Alianza. Pero por primera, y probablemente única vez, vamos a hacer una excepción con el disco de debut de estos chicos vizcaínos llamados Waldheim. Lo hacemos sobre todo porque ya les descubrimos y pudimos apreciar en directo en el pasado festival Granito Rock la tremenda calidad que poseen, y que ahora plasman en este disco con un nivel instrumental y una creatividad tremendos, amén de unas melodías realmente notables. Pero, sigue siendo un disco de death metal, con lo que conlleva de oscuridad y voces guturales que a priori siempre nos echan un poco para atrás a la hora de adentrarnos en estos territorios. En este caso las voces están equilibradas, por un lado la agresividad gutural de Fitti y por otro el lirismo femenino de Mina, creando un contraste realmente llamativo sobre la trabajadísima base musical del resto del grupo. A lo largo de toda la obra crean pasajes melancólicos, oscuros, pero también llenos de solidez y fuerza, algo en lo que mucho tiene que ver el fantástico trabajo de Alex en la batería y Aratz al bajo, que sirve de soporte para los ataques de las guitarras de D. Hole y de M.I. Sword este último insertando muy buenos solos. Mención aparte para los teclados de la otra chica del grupo, Jessica, que tiene un destacadísimo papel a lo largo del disco creando ambientes realmente sugerentes. En cuanto a los temas en sí, los hay más directos y agresivos como las iniciales “Fight Against Time” y “Bridge Of Sand” con bastante presencia de Fitti con su rompedora voz, o más melódicos como “Lost In The Rain” donde Mina muestra su gran calidad sobre unos teclados y guitarras más cercanos, con alguna aparición puntual de Fitti, o la breve balada “Break The Silence” a base de piano y voz lírica, y que sirve como preludio a la más épica y brillante “March Of Empty Souls” que me recuerda a los madrileños Dark Moor. Vuelven a la oscuridad con “We Will Fall Together” más pesada y melancólica, para acelerar algo más en “Illuminati”. Uno de los puntos álgidos viene a continuación con la instrumental “Memories Of Fate”, donde muestran todo su gran potencial y clase de forma dinámica y brillante, con marcados cambios de ritmo, mezclando afilados riffs con delicados teclados, para acabar creando un corte más que notable. La recta final la ponen con “Valzer Infinito” algo más embarullada pero con buenos pasajes de guitarra y teclas, para cerrar definitivamente con la melancólica y algo extraña “Forest Ending” donde sólo suena el piano y los efectos de tormenta con bastantes silencios, algo así como la calma después de la tempestad. Un curioso cierre, para un buen disco que creo puede gustar no sólo a los más acérrimos seguidores del death metal y puede abarcar a más publico como ha sido mi caso.

Mariano Palomo

JON OLIVA’S PAIN “Global Warning”

(AFM / Avispa)

Tercera entrega del proyecto del líder y alma de los míticos Savatage, el carismático Jon Oliva. Un disco en el que continua la línea de los anteriores de heavy teatral, oscuro y elaborado, recordando por momentos a su banda de referencia, pero que en esta ocasión creo que con menos brillo y convicción que en sus predecesores. Aun así hay buenos momentos, tanto instrumentales sobre todo a cargo del guitarrista Matt La Porte que se marca un puñado de buenos solos, como compositivos en algunos cortes más interesantes. El resto de la banda, John Zahner (teclados), Kevin Rothney (bajo) y Christopher Kinder (batería), cumplen bastante bien, aunque en muchos casos no tienen demasiado espacio para mostrar su calidad sumergidos en un sonido demasiado oscuro y disperso por momentos. El inicio del disco es bastante prometedor, con la prácticamente instrumental “Global Warning” que le da título en clave dramática, con buen uso de teclados y guitarras con la voz desgarrada de Jon al final, sirviendo prácticamente de introducción a “Look At The World” un tema más optimista con mucho piano de teatro musical, un poco a lo Queen y que resulta bastante curiosa. La historia se endurece a continuación con “Adding The Cost” un tema heavy, pesado, pero directo, con unas guitarras machaconas y con un estribillo reiterado hasta la saciedad, y que continua en la misa línea, aunque algo suavizado por esa onda teatral de “Look At The World”, con “Before I Hang”, algo más enrevesada y con destacada presencia del bajo y la batería de Rothney y Kinder respectivamente. A partir de aquí los temas empiezan a caer en intensidad y a espesarse en exceso, aun con algunos interesantes pasajes, como en “Firefly” que a pesar de su cadencia demasiado lenta, melancólica e intimista, muestra unas buenas voces y guitarras. Con “Master” entran en terrenos más modernos, un tema raro al que no le cojo el punto, con voces sintetizadas, guitarras muy saturadas y demasiado sonido máquina, y a continuación dan un giro total con “The Ride” en clave prácticamente country-western con la guitarra acústica como protagonista principal y con pinceladas más cañeras a base de riffs afilados, curiosa combinación que en este caso les queda bastante bien. Sigue bajando la velocidad con “0 To Go” una especie de intro a base de piano y voz que da paso a la densa aunque algo sosa “Walk Upon Water” donde Jon muestra su voz rota sobre una buena instrumentación a medio tiempo. Vuelve a endurecerse el sonido con “Stories”, de nuevo con toques teatrales en este caso por sus coros y con buenas guitarras a cargo de La Porte, y con aires a los últimos Savatage, al igual que en el medio tiempo “Open Your Eyes” donde vuelve el dramatismo en un ambiente más oscuro y con otro buen y extenso solo de guitarra, y en la más heavy “You Never Know” de duros riffs aunque sin llegar a encandilarme. El final con “Someone / Souls” es bastante soso y extraño, con sonidos sinfónicos en su primera mitad y con una especie de declamación final a base de voz y acústica donde no entiendo que nos quiere decir Mr. Oliva, que creo que aunque seguro que se lo ha currado y mucho en este trabajo, dejará a muchos fans con las ganas de la vuelta de Savatage. Por lo menos a mi, me ha pasado. Esperemos verle al menos en buena forma y con buen repertorio en sus inminentes fechas en directo en nuestro país.

Mariano Palomo

DOMINICI “O3 A Trilogy – Part 3”

(Inside Out / Mastertrax)

Charlie Domici, el que fuera vocalista del primer trabajo de Dream Theater “When Day And Dream Unite”, pone el cierre a la trilogía “O3”. Una trilogía que inició de forma puramente acústica en su primera parte, que ya dotó de energía y poderío eléctrico en la segunda, y que ahora completa en la tercera siguiendo la estela de ésta. Para ello vuelve a contar con los mismos competentes e instrumentistas de Solid Vision que le acompañaron entonces, el brillante y punzante guitarrista Brian Maillard, el buen teclista Americo Rigoldi, el sólido bajista Ricardo Atzeni y el poderoso batería Yan Maillard, arropando todos ellos a la personal y no excesivamente brillante, todo hay que decirlo, voz de Dominici. El sonido de los ocho cortes del trabajo nos lleva inevitablemente al de la ex banda de Charlie en su faceta más metalera, aunque también por momentos a la más melódica. Se alternan los temas de larga duración con los más asequibles, consiguiendo momentos brillantes sobre todo en lo que a solos de guitarra y ambientaciones de teclados se refiere, y siempre con mucha solidez y compacidad en el sonido. El comienzo de la inicial “King Of Terror” con sonidos tranquilos y acústicos a modo de intro dentro del mismo tema, nos va preparando para los riffs que dispara Brian Maillard desde su guitarra sobre la pesada base de su hermano Yan y de Atzeni, alternando buenos cambios de ritmo más melódicos. “March Into Hell” muestra unos tintes más oscuros y contundentes, pero resulta ser de las más directas, mientras que “So Help God” supone una relajación total donde lucen las guitarras, tanto acústicas como eléctricas, en su versión más suave. Vuelve la caña y las estructuras más progresivas con “Liquid Lightning” de buenos versos y estribillo, y más aun con la compleja, bien ejecutada y extensa “Liquid God” que es DT total, y con la más melódica y directa “Revelation”. Algo más coja se me queda “Hell On Earth” demasiado pesada, y mejoran en la que cierra que curiosamente se titula “Genesis” y que vuelve a ser una buena demostración de nivel instrumental con intrincados cambios de ritmo, pero sin perder intensidad en sus casi once minutos de duración. Un buen colofón para una interesante obra que seguro gustará a los seguidores más metaleros del progresivo.

Mariano Palomo

RPWL “The RPWL Experience”

(Inside Out / Mastertrax)

Una de las formaciones más consideradas dentro entre el público progresivo, los germanos RPWL, vuelven a escena con su nueva obra, más contundente y comprometida que su anterior “World Through My Eyes” de tintes más espirituales y místicos. Los sonidos elegantes y complejos protagonizan gran parte de este último trabajo, con desarrollos instrumentales elaborados en composiciones que en casi todos los casos superan los seis minutos de duración, y a lo largo de las cuales los cuatro miembros de la banda muestran su gran categoría como músicos. En temas como la inicial “Silenced” de momentos realmente brillantes, o la curiosa y algo espesa versión del “Master Of War” de Dylan, no disimulan su absoluta devoción por Pink Floyd, sobre todo en lo que a las guitarras de Karlheinz Wallner se refiere mostrándose como un aventajado alumno del maestro David Gilmour. No se despegan mucho de esta onda en “Watch Myself” con sonidos más acústicos y profundos, en la más extensa y enrevesada “Stranger” donde combinan fragmentos intimistas y suaves con afilados riffs y penetrantes teclados, en la bonita balada acústica “Turn Back The Clock”, y en la más lenta y psicodélica “River” reservada para los más iniciados en el género. Saliéndose de la norma habitual de la banda, en lo que a duración y sonido se refiere encontramos la más moderna “Cose What You Want To Look At” con voces sintetizadas y más agresivas a cargo del también teclista Jurgen “Yoghi” Lang” dentro de uno de los cortes más dinámicos y directos del disco, junto la más relajada “Breath In, Breath Out” y a la curiosamente bautizada como “This Is Not A Prog Song” que efectivamente no es una canción puramente progresiva muy dulcificada y casi hasta poperizada para tener mayor alcance, sacrificando la brillantez instrumental, salvo en el caso del bajista Stephen Ebner que alcanza bastante más protagonismo que el resto, incluido el batería Manfred Müller. Un tema este último que quizá chirriará a alguno de los seguidores más puristas del grupo, pero que tampoco viene mal dentro de la complejidad habitual de este tipo de discos. Interesante.

Mariano Palomo

SPHINX “Renacer”

(Avispa)

“Renacer”, un título más que significativo y revelador para la cuarta entrega de los gaditanos Sphinx, una de las bandas nacionales de heavy metal de mayor calidad instrumental y compositiva. Después de tres largos años de espera y un montón de vicisitudes vividas desde el lanzamiento de su anterior trabajo “Paraíso En La Eternidad”, vuelven con un gran disco que debería ponerles definitivamente en el lugar que les corresponde dentro del metal nacional. Composiciones cuidadas al detalle, letras en su mayoría reales y cercanas sin necesidad de ser bruscas, un sonido realmente bueno y una calidad instrumental al nivel de los mejores músicos españoles. De la mano de la cabeza visible de la banda, el cantante Manuel Rodríguez, que además de volver a mostrarse como una de las más potentes y originales de las voces del país se encarga de la producción, mezcla y masterización de los temas, dotándoles de una energía y clase notables, todo el grupo acepta el reto y ejecuta sus cometidos a gran nivel. Destaca la pareja de guitarristas formada por Santi Suárez y por el ya ex del grupo Justi Bala, sonando ambos realmente bien, perfectamente ensamblados, limpios y afilados, creando atractivas melodías junto a los teclados de los que se encarga el propio Manuel Rodríguez, todo ello muy bien respaldado por la solidez del bajista Pepe Pineda y del batería Carlos Delgado. El primer single del trabajo es el tema que lo abre, “Maldita Ilusión”, un corte directo y enérgico de puro heavy metal, rápido y melódico con buenos juegos vocales y una poderosa pegada en su base rítmica. Aunque perfectamente podían haber elegido “Hoy”, un canto al optimismo y la positividad que por desgracia tan poco se prodiga dentro del género y que es una autentica maravilla llena de melodía, mensaje y sentimiento; musicalmente con ciertos toques Medina Azahara sobre todo en el sonido de teclados que adornan las buenísimas voces que marcan el paso. Se endurecen los registros para “Destino Sin Fe” un corte más duro en todos los sentidos y que también creo que tendrá buena acogida, al igual que “Sucia Realidad” que sigue por los mismos derroteros pero en el que creo que se les ha ido un poco la mano con los arreglos de teclados quedándoles demasiado altos. Siguiendo en la línea de abordar temas de absoluta actualidad tratan el fanatismo religioso y político y las guerras en “Hijos Del Terror”, algo menos directa pero con buen trabajo de percusiones y guitarras, y en “Hombres De Salvación” en la que combinan sonidos melódicos pero potentes y estribillo directo. La parte más relajada del disco la pone la sentida “Princesa De Papel” una buena balada donde piano y acústica acompañan a unas preciosas guitarras eléctricas y a la profunda voz de Manuel. Vuelve la caña con “Un Trozo De Mi Ser”, con reminiscencias Stratovarius en algunas partes de guitarra y en su estructura, quedándoles realmente bien, al igual que en la más mística “El Llanto De Isis” en la que se apartan del mundo real para introducirse en la mitología egipcia como ya han hecho en anteriores trabajos y donde evidentemente el estigma “Powerslave” está presente, al igual que en la intrincada instrumental “Mar De Esperanzas” que no hace más que ratificar la tremenda calidad de los músicos del grupo, y en la más monótona “Nuevo Mundo”. El cierre viene de la mano de “Sentencia Futura”, endureciéndose de nuevo tanto el mensaje como el sonido, con los coros como protagonistas sobre unas bases más machaconas. Este es el final de CD físico, pero han grabado dos temas más “Eterno Dolor” y “Mártires De La Crueldad” que pondrán a la venta próximamente a través de i-tunes, y que aun no hemos podido escuchar, pero que seguro que estarán a la altura y redondearán un disco realmente notable y que no debería pasar desapercibido.

Mariano Palomo

MINISTRY & CO-CONSPIRATORS “Cover Up”

(13th Planet Records / Avispa)

Cuando parecía que estos chicos no iban a volver a grabar discos de estudio, Al Jourgensen líder e ideólogo de la banda, se saca de la manga este trabajo de versiones de clásicos setenteros. Junto a él los Co-Conspirators, que no son más que un puñado de amigos reconocidos y reconocibles dentro del metal industrial más cañero que acompañan a Al para, con irregular, pero bastante más acierto de lo que yo pudiera pensar, revisar algunos de los himnos inmortales del rock de siempre. Entre las más destacadas sin duda el clásico glam “Bang A Gong” de Marc Bolan y sus T. Rex que respetan bastante y le dan una vuelta de rosca enérgica, al igual que dos habituales a la hora de ser versioneadas como “Space Trucking” de Deep Purple y “Radar Love” de Golden Earring dotando a ambas de una fiereza que en cierto modo las ensucia pero que no las afecta excesivamente en su estructura original. En segundo escalón podemos situar “Black Betty” de Ram Jam y “Mississippi Queen” Mountain, algo más embarulladas pero también bastante conseguidas, y en el caso de la segunda con la participación del propio Leslie West que la grabó originalmente y del vocalista de Prong Tommy Victor. Siguiendo con los colaboradores comentar que “Under My Thumb” de los Stones pone su poderosa voz el cantante de Fear Factory Burton C. Bell, dentro de uno de los temas más experimentales y poco reconocibles, al igual que “Just Got Paid” de ZZ Top que aceleran en exceso sin mucho sentido. “Roadhouse Blues” de los Doors ya aparecía en la anterior obra de Ministry, “The Last Sucker” y entonces ya pudimos comprobar a que niveles de endurecimiento y aceleración pueden llegar con la base de un tema setentero con un correcto resultado. “Supernaut” de Black Sabbath me da la impresión que es una de las más previsibles y cercanas al grupo, pasada por el tamiz de la electrónica mantiene la base pesada de antaño y como me sucede con la original se me hace demasiado espesa y es de las que menos me ha gustado, al igual que “Lay Lady Lay” del casi siempre cansino Bob Dylan que es bastante tostón. La curiosidad final de “It’s A Wonderful World” de Louis Amstrong mejora el decadente tramo final, sobre todo en su segunda mitad donde la aceleran y endurecen notablemente rozando el punk y el hardcore más directos. Un curioso corte, para un curioso disco de una banda que nunca ha llegado a convencerme, pero que con cositas como esta muestran su capacidad de trabajo y poco encasillamiento y han conseguido que haga por verles, aunque sea un rato, en el Sweden Rock Festival, en el que actuarán este verano. Eso sí, puristas muy puristas del rock setentero casi mejor abstenerse, pero si queréis pasar un rato divertido y cañero gran parte de este disco puede valeros perfectamente.

Mariano Palomo

5 DUROS “Con Las Botas Puestas”

(www.5duros.com / Fundación Autor)

De Granada afortunadamente no sólo salen grupos indies como los insufribles Planetas y compañía. Prueba de ello son estos cinco chicos que hace ya unos añitos decidieron que era hora de hacer buen rock al pie de La Alhambra. Ya les conocíamos por su anterior aproximación discográfica hace tres años con el primer CD completo que se curraron bajo el título de “Aun Brilla El Sol” y en el que ya mostraban sus cartas con claridad. Mucho rock de escuela clásica, con toques sureños, de raíz andaluza y con aires blues para llamar nuestra atención. Centrándonos en este “Con Las Botas Puestas” es claro que reafirman ese sonido añejo, con una producción básica, pero para nada floja, y con un buen número de matices entres sus temas que lo hacen interesante y variado. Encontramos temas puramente rockeros cercanos al rock urbano y a los Stones más macarras, como la dinámica alegre “Vamos De Concierto” de letra aplicable a muchos de los que podéis leer esto, o las vacilonas iniciales “Besos Y Dinero” y “El Remdio” que me recuerda bastante a los saguntinos Mandrake, sobre todo por la voz de Alfredo Martos que muestra un buen nivel de registros. Los aires sureños y blues menean el ritmo del primer sencillo “Blusa Azul”, calentón en su letra y adornado por la presencia de una destacada slide guitar, o en la más cercana a la mejor época de su paisano Miguel Ríos “Sara” que mezclan competentemente sonidos eléctricos y acústicos a cargo de los guitarristas David Linares y Manuel Martínez, jugando con los teclados del invitado Antonio González. Unos teclados en forma de pianola que lucen en el, para mí, mejor tema de la obra “Guitarras Setenteras” que como su nombre indica podéis imaginaros por donde va, rock n roll divertido, letra de bar y ritmo contagioso en la vertiente más animada del rock setentero muy a lo M Clan. Por el contrario otros cortes como “Creer” o “Mi Ultimo Duro” se me hacen más monótonas, incluso esta última demasiado oscura con ciertos toques psicodélicos y bases pesadas cercanas a Black Sabbath o a los Leño más lisérgicos. Tienen hueco también para otro tipo de sonidos sureños autóctonos de Andalucía en dos cortes como la compleja y melancólica “¿Por Qué?” y la más extensa e intimista “Tan Lejos Tan Cerca De Ti”, en ambos casos con la voz de Alfredo llena de sentimiento andaluz y con todos los instrumentistas, incluidos José Martín al bajo y Alex Callejón a la batería con el nombre de Triana haciéndose presente por fuerza y notándose la mano de José María Sagrista ex guitarrisa de la banda sevillana creando esa fusión de flamenco y sinfónico que ellos dominaban como pocos y que ha participado como ingeniero de sonido en el disco. Como curiosidad final indicar que cierra el disco “Huracán Charlie”, una breve pieza instrumental de pianola de salón del oeste que sirve como sintonía al programa de La 2 “No Disparen Al Pianista” y que pone el cierre a un interesante trabajo con el que esperemos se abran camino definitivamente en el complicado panorama rockero actual.

Mariano Palomo